miércoles, 16 de mayo de 2012


LA FOTOGRAFÍA Y EL ARTE



POR GIUSSEPE MARCONI Y ALBERTO OLAYA 
En el siglo XIX la Fotografía no se consideraba arte. Ni siquiera los fotógrafos de la época consideraban que lo fuera. Esta pregunta empezó a plantearse alrededor de 1870 y ha seguido viva durante casi todo el siglo XX.

A pesar de todo, la fotografía siempre ha sido un instrumento al servicio del arte. Desde sus orígenes su función ha sido facilitar el trabajo al pintor, escultor o grabador. Se tomaba una imagen del modelo o del paisaje y no se necesitaban horas de posado o traslados.

Pintores como Delacroix o Gustave Courbet obtuvieron modelos por ese procedimiento. Incluso algunos artistas llegaron a reproducir sus obras a través de fotografías para venderlas a precios módicos. Era frecuente que se usaran como regalos de Navidad.

Blanouart-Eurapd fundó en 1851 una imprenta llamada "Imprimerie Photographique". En ella publicaría álbums para artistas y aficionados.

Esta imprenta fue la primera en reproducir obras de arte y figuras o modelos para artistas: monumentos, esculturas, relieves, lugares célebres, curiosidades arqueológicas, copias de cuadros, etc.

Este tipo de fotografía tuvo un gran éxito entre 1860 y 1870. Todas esas reproducciones se exponían 
confrecuencia.

En 1853 el British Museum instala un estudio de fotografía con material para documentar y clasificar todas sus obras de arte. Nace así la fotografía museística bajo la dirección de Robert Fenton.

  
PICTORIALISMO FOTOGRAFICO

El pictorialismo es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la primera guerra mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.

IDEAS Y TÉCNICAS

El pictorialismo supone una selección de los temas (Paisaje - Días nublados, de lluvia, de niebla,.... y todos aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean nítidas / Retrato - Se eligen principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa borrosidad / Alegorías / Etc.).

Entre el tema seleccionado y la cámara se colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras.

No se enfoca de forma deliberada para provocar un efecto similar a la pintura impresionista (es por eso que el pictorialismo es también conocido como fotografía impresionista).

Se utilizaban los conocidos como objetivos de artistas que suponía la colocación de elementos que no correspondían a las cámaras fotográficas empleadas, llegando a recurrir a objetivos antiguos muy imperfectos o, incluso, a la cámara oscura sin objetivo.

También se actuaba en la fase de revelado y en la de positivado de la imagen. Se emplea papel especialmente adecuado para sus manipulaciones. Se añade carbón, bromóleo, goma bicromatada, u otros pigmentos a las emulsiones buscando hacer las fotografías similares al dibujo, grabado, etc. Surge así el concepto de impresiones nobles.

La idea principal era la intención de buscar un resultado diferente al de las imágenes tradicionales y que además esto salte a la vista, lo cual resulta ser un valor añadido.

Por su manipulación, las conocidas como impresiones nobles, nunca resultaban iguales pese a que se partiera de un mismo negativo inicial. Estas técnicas impedían la multiplicidad de copias, por cuanto que las obras eran únicas. Se llegó incluso a destruir el negativo para impedir copias de las imágenes, en un intento de regular la creación fotográfica bajo las limitaciones propias de las artes plásticas tradicionales.

Para su presentación al público las imágenes (o impresiones nobles) son enmarcadas recurriendo a la utilización de marcos propios de pinturas antiguas y muy rimbombantes.

Aunque la fotografía liberó a la pintura de la necesidad de una representación perfecta de lo real, pronto cayó en la desamparada servidumbre de la sustitución.

Así, de manera paradójica y en un insolente maridaje con la pintura, la fotografía atinó entonces (finales del XIX) a dar con el más conspicuo camino para lograr la aprobación social e introducirse en los hogares de la burguesía. Las veladuras, los desenfoques, los paisajes desvanecidos, las referencias mitológicas, la evocación melancólica de paraísos perdidos y la representación de escenas bucólicas conformaron un peculiar estilo denominado “Pictorialismo” que, paralelo al impresionismo y enraizado en los grandes géneros plásticos del XVII –el paisaje y la figura- se mantuvo en boga hasta el primer cuarto del pasado siglo.

Para esa época la fotografía ya había fraguado su propio lenguaje independiente de la pintura por otros y muy diferentes caminos.


BIBLIOGRAFIA:






FOTOGRAFIA SURREALISTA

Está clara la importancia que tienen en nuestra sociedad, una sociedad de masas, los medios icónicos, fácilmente reproducibles, al alcance de todos y, por si fuera poco, que eliminan la noción “burguesa” de la obra de arte única para dar paso a la multiplicidad de obras de arte, donde tienen el mismo valor el original y las reproducciones posteriores, puesto que nada diferente se encuentra en ellas.

De los medios icónicos, los dos que se caracterizan por captar la realidad tal como es, o al menos de producirnos esta sensación, y los más sensibles a una experimentación técnica, son el cine y la fotografía.

Será por estas tres razones: las posibilidades de experimentación, como es el caso de la introducción del factor del azar en la fotografía; la sensación de realidad pese a ser una ficción, que produce una sensación errónea en nuestra mente con lo que se llega al inconsciente; y el alejamiento de las representaciones formales de la burguesía, algo que sin duda pretendía el movimiento revolucionario capitaneado por Breton, por lo que hagamos un estudio que relaciona el surrealismo con la fotografía y así intentaremos desenmarañar los enunciados de dicho movimiento para establecer un paralelismo con este arte.

El Surrealismo se gesta en París, lanzado por un grupo de escritores que se encuentran descontentos con la anarquía que lanzara el Dadá, y que se aglutinan en torno a la revista "Literature" entre los años 1921 y 1923, y de la cual surgirá el primer "órgano oficial" de este movimiento La Revolution Surrealiste.

En 1924 Breton formula el primer manifiesto donde se definía el Surrealismo de la siguiente manera: “Puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar bien verbalmente o por escrito la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética o moral”.

Aquí se ve la herencia del Dadá y la fundamentación en las teorías de Freud y el psicoanálisis, se proponen con ello abrir las puertas de la mente hacia lo irracional y despertar las fuerzas desconocidas del inconsciente humano para acceder a la esfera de lo mágico y conseguir la “liberación total del espíritu”, siendo la principal vía para alcanzar dicha liberación el automatismo psíquico.

De este modo se elude la intervención reguladora de la razón y dejando de lado los prejuicios estéticos y morales del “buen gusto” burgués, el automatismo se convertiría en el medio idóneo para acceder al mundo simbólico del inconsciente y hacer aflorar las fuerzas ocultas del ser humano. Se ve pues un claro deseo de afirmar lo negado por la moral convencional, de buscar un punto de encuentro entre lo racional y lo irracional, encontrando el papel liberador del erotismo.

El modo más eficaz para llegar a la verdad al margen de la razón convencional será la escritura automática, emancipada de un control racional y de ideas preconcebidas, de manera que sumidos en un estado semi-inconsciente escribían para poder plasmar sobre el papel asociaciones insólitas.



·         Los primeros fotografos surrealistas fueron:

















MODERNISMO FOTOGRAFICO

A partir de los comienzos del siglo 20, la fotografia modernista comenzó a ganar consideración como medio independiénte .
Muchos fotografos como el estadounidense Alfred Stieglitz, abogaron por una fotografia con mucho valor estético más allá de su valor descriptivo o utilitario.

En este momento el punto de vista de la fotografia modernista influyó en toda una generación de fotografos entre los cuales se destacaban los estadounidenses Edward Weston (1886-1958) y Paul Strand (1890-1976 dos de los defensores de lo que se llamaba fotografia dirécta.


Caracterizándose la misma por la búsqueda de objetividad en la imagen, partiendo de imágenes simples tomadas a objetos y paisajes destacando de ellos la belleza de las formas y las texturas.


Mientras esto sucedía en Norte América, en Europa por su parte se formaban estrechos lazos entre artistas vanguardistas y fotografos que aprovechaban la fotografia para plasmar el ritmo y la velocidad de la era moderna y el dinamismo de la evolución de las maquinas.

Surgen también técnicas como el fotomontaje, extraída en parte de la técnica del Collage que hacía colisionar diversas imágenes de la realidad transformándolas en sátiras de la sociedad y la política.

A su vez dentro de la fotografia modernista, surgen a cada momento movimientos en Europa que tratan de aportar su sello dentro de todo este surgimiento, como pudo ser la escuela alemana de diseño utópico, que trataba de convertir lo común en inesperado sin agregar ninguna distorsión surrealista,
y tomaban algo tan simple como una planta, vista desde un primer plano transformándola en algo industrial tan solo utilizando el punto de vista que ofrece la cámara.      

En los EE.UU., Alfred Stieglitz, rechazó el aspecto artesanal del pictorialismo , a favor de una más ' directo 'de fotografía (el entrepuente, 1907). En Camera Work , abogó por fotógrafos que utilizaron el realismo del medio para crear belleza de la vida cotidiana, y para hacer declaraciones sobre la naturaleza de la fotografía, en lugar de sobre el mundo; (Paul Strand , Blind Woman, 1916). Su trabajo a menudo la realidad abstracta mediante la eliminación de contexto social o espacial; mediante el uso de puntos de vista que arrasó el espacio pictórico, el reconocimiento de la lisura de la superficie del cuadro, y haciendo hincapié en la forma y la rendición tonal en las altas luces y las sombras tanto como en el tema real (Edward Weston , Desnudo, 1936).

En Europa, los artistas de vanguardia pidieron el desglose de las definiciones tradicionales de arte, y las barreras entre arte y diseño, a menudo con el objetivo utópico de fusionar el arte con la vida cotidiana. También puso en duda la noción de identidad artística basada en el mito del artista como un tipo especial de ser emotivo sobre un lienzo en el aislamiento de un estudio. En su lugar, se abrazaron los medios tecnológicamente avanzados de producción, desarrollo de medios mixtos prácticas, y muchas veces comprometidos con temas sociales y políticos. En la Bauhaus , László Moholy-Nagy exploró las abstractas posibilidades de las imágenes fotográficas y cinematográficas. En la Rusia soviética, Alexander Rodchenko trabajo por una nueva visión estética que iba a cambiar la conciencia individual y de masas. Hizo hincapié en el carácter construido de las imágenes, rechazando la ilusión de que la representación fotográfica podría ser un espejo de la realidad problemática. El uso de superficies reflectantes es un dispositivo común modernista, para revelar cómo cada punto de vista, artística o ideológica, se construye más que natural. En Italia, los futuristas exploran el movimiento borroso para celebrar la velocidad y el dinamismo de la vida moderna. En Berlín y en toda Europa, los dadaístas con el fotomontaje el cual fue utilizado para desafiar la autoridad de la cultura de masas mediante representaciones.








  

 LA FOTOGRAFÍA POP ART



El Arte Pop es un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto al que consideraban vacío y elitista.

El Pop Art se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo, de la comunicación de masas y de la publicidad, aplicados a distintas disciplinas.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas 
con un sentido diferente. Su finalidad es lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica con el consumismo de la época. Como su propio nombre indica el "Arte Popular" toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida. Es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo. Los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.

El inglés Richard Hamilton es uno de los pioneros del Pop Art británico. Su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? ha sido considerado la primera obra del movimiento.

La fotografía Pop Art se presenta como imagen de choque y tiene una atracción poderosa para el espectador. La representación del motivo en el pop es asombrosamente literal.

Esto es especialmente llamativo en artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Las fotografías de Andy Warhol de latas de sopa de tomate son el mejor ejemplo de esta literalidad.

Todas las técnicas usadas en fotografismo fueron válidas para el arte pop. La fotografía es manipulada hasta el extremo para conseguir sorprender al espectador.

La tipografía, la caligrafía, el dibujo, la ilustración, el graffiti y todo tipo de texturas se unen y superponen a la imagen fotográfica. El color es igualmente manipulado en todas sus dimensiones, virados, fotografías coloreadas, pintadas a mano o con el aerógrafo, solarizaciones, bitonos,
ampliaciones de la trama de cuatricromía, serigrafía y un sinfín de posibilidades.

Este movimiento artístico y cultural tiene su culminación en el Hiperrealismo o en el Nuevo Realismo que se desarrolló después de 1962.









            

              LA FOTOGRAFÍA VANGUARDISTA

     A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la época.

Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las cualidades del artista eran aportados por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias.

La fotografía, como elemento artístico, no fue ajeno a todos estos cambios y siguió un camino paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otras.


El collage y el fotomontaje

En la primera década del siglo XX, la fotografía y la pintura se fundieron para crear una técnica que se utilizó en la mayoría de las expresiones vanguardistas: el collage.

Esta técnica se usaba desde mediados del siglo XIX para elaborar álbumes de recortes, pero fue en el siglo XX cuando los artistas lo pusieron de moda entre el público.

Por otra parte, el fotomontaje (una mezcla artística a base de distintas imágenes) surgió a mitad de la segunda década del siglo XX y el dadaísmo lo usó como expresión de su doctrina.

En España se desarrolló más tarde que en el resto de Europa. Autores como Massana, Catalá i Pic, Gabriel Casas, Josep Sola o Josep María Lladó lo aplicaron a la publicidad.

También figuras como Gregorio Prieto, Benjamín Palencia, Remedio Varó o Manuel Monleón lo desarrollaron y lo llevaron a la práctica como pura expresión artística.

Nicolás de Lekuona y Josep Renau fueron los dos autores más carismáticos de la vanguardia fotográfica española
. Ambos simbolizaban el compromiso con las ideas y el deseo de romper con viejas estructuras.




 http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardias
http://webpages.ull.es/users/cvega/mastervanguardias.htm




LA FOTOGRAFÍA Y EL DADAÍSMO

El dadaísmo surge a principios del siglo XX en Suiza de la mano de Tristán Tzara y Hugo Ball. Nace como protesta contra las normas ortodoxas causantes de la primera Guerra Mundial. Los dadaístas niegan el concepto de la razón positivista y se revelan contra el arte burgués imperante en la época. Es por esto por lo que son conocidos como los "anti-artistas".

El movimiento dadá era un modo de vivir para sus integrantes. Tenían una actitud burlesca y humorística y su base principal es el absurdo. Sus obras literarias son meras sucesiones de palabras, a veces incomprensibles.

Existen varias teorías acerca del origen del nombre "Dadá". Se cree que representa el balbuceo de un niño como simbolismo de la vuelta a la infancia. También se baraja la posibilidad de que fuese escogido al azar en un diccionario.

Las máximas representaciones de la fotografía dadaísta son el fotomontaje y el collage. Ambos suelen contener los elementos básicos que identifican el movimiento. Letras, textos, imágenes superpuestas, etc. Todos ellos sin orden ni concierto aparente.

Las obras se difunden gracias a las revistas publicadas en el momento. Gracias a éstas el dadaísmo se extiende y da a conocer.



El dadaísmo en el mundo

Man Ray fue uno de los precursores de la fotografía dadaísta. Junto con Marcel Duchamp y Francis Picabia fundaron el dadaísmo neoyorkino. Posteriormente, lo fundarían en París. Fotógrafos como Alfred Stieglitz apoyaron el movimiento Dadá en Nueva York.

En países como Alemania las fotografías dadaístas tuvieron un marcado carácter ideológico y político. Los ideales anarquistas y comunistas fueron los más relacionados con este tipo de arte. Hannah Höch y John Heartfield fueron dos de los autores más importantes de la vanguardia alemana.

El dadaísmo y el surrealismo fueros movimientos artísticos íntimamente relacionados hasta que se separaron en 1924.





LA FOTOGRAFÍA FUTURISTA



El futurismo como movimiento artístico nació en Italia en el periodo de entre las dos guerras mundiales. El ideal de belleza futurista se basaba en la idea de velocidad.

El poeta Filippo Tommaso Marinetti fue quien hizo la apología de su estética y el encargado de redactar su manifiesto. Marinetti afirmaba que era necesario prenderle fuego a todos los museos de bellas artes. La idea máxima de belleza futurista él la encontraba en la rueda de un automóvil, no solo porque era bella, sino porque también era útil.

El futurismo busca romper 
con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Tenía dos temas dominantes, la máquina y el movimiento.

La manera en que los artistas, tanto pintores, como escultores y fotógrafos representaron esa idea de velocidad fue a través de la repetición seriada del mismo objeto. Esta repetición provocaba en el ojo la sensación de movimiento. En pintura y escultura el máximo exponente futurista fue Umberto Boccioni.



Los hermanos Bragaglia, Anton y Arturo, fueron los fotógrafos más representativos del movimiento.

Se utilizaron técnicas nuevas como la doble exposición o la distorsión de las lentes y la óptica. También experimentaron con la llamada cronofotografía gracias al revólver astronómico de Janssen.









         NATURALISMO FOTOGRAFICO

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.

Si bien el naturalismo, al igual que el realismo, está en el extremo opuesto al romanticismo, evitando evadir la realidad, se considera al primero como una evolución del segundo.



http://www.frasesypensamientos.com.ar/historia/naturalismo.html

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